Schwermaschinen: Ein Label, das Australiens Vielfalt feiert

Im Rathaus von Melbourne steht eine über 30 Fuß hohe Orgel, die aus einem Labyrinth aus 300 Fuß langen Pfeifen, 300 Meilen Drähten und über einem Jahrhundert Geschichte besteht. Dies ist der Ursprung von Heavy Machinery Records, einem australischen Label, das in den fünf Jahren seines Bestehens über 50 Projekte mit der größtmöglichen Bandbreite an Musik veröffentlicht hat.

Miles Brown, der Gründer des Labels, spielte eines Tages in einem örtlichen Park Theremin, als ein Mann auf ihn zukam und sagte: „Hey, ich habe diese Orgel. Vielleicht hätten Sie Interesse daran, etwas damit zu machen?“ Also erhielten Brown und die Band Night Terrors den Auftrag, eine Performance für das riesige Instrument zu kreieren, die sie aufnahmen und auf dem US-Horrorfilm-Soundtrack-Label Death Waltz veröffentlichten. Es wurde ein Proof of Concept dafür, wie die Projekte ordnungsgemäß veröffentlicht werden konnten. „Wir konnten zeigen, wie wertvoll diese Auftragsarbeit ist“, sagt Brown.

Bald beauftragte Brown andere Künstler mit der Erstellung von Werken für die Orgel und veröffentlichte sie auf Heavy Machinery. Das Gleiche tut er für die Federation Bells, eine Sammlung von 39 nach oben gerichteten Glocken, die in einem Stadtpark zwei Stockwerke in den Himmel ragen. Die erste Veröffentlichung des Labels war 2017 die Cling Clang-Zusammenstellung düsterer elektronischer Künstler, die mit den Glocken arbeiteten. Die Größe und Beschaffenheit dieser Instrumente erinnert an gotische und industrielle Kreationen, die alle bewusst mit dem Namen des Labels eingefangen wurden. „Davor wurde es hauptsächlich für Klassik, Jazz und ein wenig experimentelles Material verwendet. Es ist großartig, es in andere Welten und Genres zu bringen, die normalerweise keine Empfänger traditioneller Aufträge sind“, sagt Brown.

Als die Pandemie ausbrach, verhängte Melbourne – das in der einheimischen Bevölkerung regelmäßig „Narrm“ genannt wird – eine Reihe umfangreicher und strikter Lockdowns. Da Musiker arbeitsunfähig waren und allein zu Hause eingesperrt waren, griff die Regierung ein und rief das Flash Forward-Projekt ins Leben. Über Heavy Machinery gaben sie 40 Projekte in Auftrag und boten jeweils bis zu 20.000 US-Dollar für die Schaffung neuer Arbeiten. Alles geschah in rasender Geschwindigkeit: Die erste Platte erschien im Juni 2021 und die letzte Veröffentlichung im Februar 2022, und das alles zu einer Zeit, in der das Leben vieler Künstler sehr kompliziert war und sie oft nicht persönlich zusammenarbeiten konnten.

„Wir bieten völlige kreative Freiheit und helfen ihnen, ihre Arbeit auf ein Niveau zu bringen, bei dem die Platten zusammen gut klingen“, erklärt Brown die Beziehung des Labels zu seinen Künstlern. „Wir wollen einfach sicherstellen, dass jeder das bestmögliche Ergebnis erzielt, wenn er mit uns zusammenarbeitet und Zugang zu unseren Ressourcen hat. Wir wollen bei der Art und Weise, wie wir mit unseren Künstlern zusammenarbeiten, ein gewisses Maß an Gemeinschaftsgefühl berücksichtigen. Wir wollen ein Label-Erlebnis schaffen, das Spaß macht.“ und hat keine Nachteile. Wir versuchen nicht, einen Künstler auf die Probe zu stellen, wir versuchen ihn zu belohnen.“

Angesichts der Höhe des Geldes war es außergewöhnlich, wie wenig Bedingungen an Flash Forward geknüpft waren. „Mein Maßstab für Erfolg ist die Vollendung; wir machen die Platte und veröffentlichen sie. Sie trägt zur Geschichte des Künstlers bei“, sagt Brown. Für jedes Projekt, das sie in Auftrag gaben, drückten sie Rekorde. Einige schnitten gut ab, wie zum Beispiel Jalangs Bahasa-Punk-Platte Santau, die schnell ausverkauft war. Von anderen experimentelleren Projekten wurde nicht erwartet, dass sie sich schnell verkaufen würden; Künstler können sie zum Verkauf auf Tournee mitnehmen, was sich zu ihrem Vorteil auswirkt. Jetzt, da sie unter Druck stehen, können sie mit ihnen machen, was sie wollen, und das Etikett nimmt keine Abstriche. „Bei uns sind bereits junge Bands aufgetaucht, die sich von den von uns veröffentlichten Platten inspirieren ließen. Das ist es, was man wirklich will.“

Brown wollte mit dem Projekt verschiedene Gemeinschaften zusammenbringen, und sie spannten ein breites, vielfältiges Netz – sowohl in Bezug auf Hintergründe als auch auf Stile. „Jede Art von Vielfalt ist uns wichtig. Sie versuchen, ein möglichst großes und breites Spektrum abzubilden“, sagt er. Es gibt Aborigine-, Pasifika- und asiatische Künstler; es gibt LGBTQ- und neurodivergente Künstler; Es gibt langhaarige weiße Jungen. Es gibt Stars und unbekannte Künstler. Es gibt Punkbands, Soulsänger, Indie-Hip-Hop-Acts, Clubmusik, Industrial-Tracks, Drum & Bass und Footwork. Solange sie Talent und Visionen haben, ist das Label aufmerksam.

Der Hauptgrund dafür, dass es sich um ein so vielfältiges Projekt handelt, liegt zum großen Teil darin, dass es sich um eine so vielfältige Stadt handelt. Siebzig Prozent der Einwohner von Narrm haben im Ausland geborene Eltern und die häufigste Abstammung in der Stadt sind Chinesen. „Es wäre lächerlich, keinen vielfältigen Kader zu haben“, sagt Brown. Es ist auch eine Musikstadt, in der Künstler aus dem ganzen Kontinent anreisen, um Teil der dortigen Szene zu sein. „Es gibt so viele sich überschneidende Gemeinschaften – Gemeinschaften, die auf sexueller Orientierung, ethnischer Zugehörigkeit und Interessen basieren. Und die meisten dieser Menschen drücken sich durch Musik aus. Politisches und Persönliches sind immer miteinander verbunden.“

Nachdem die Lockdowns hinter uns liegen und sich ein Gefühl der Normalität eingeschlichen hat, ist Heavy Machinery wieder damit beschäftigt, Glocken- und Orgelprojekte in Auftrag zu geben. Sie arbeiten aber auch an einem Nachfolger von Flash Forward und setzen damit ihre Mission fort, die australische Musikindustrie insgesamt herauszufordern. „Wir wollen nicht, dass die Leute das Gefühl haben, sie müssten sich finanziell oder moralisch opfern, um Musik zu machen“, sagt Brown. „Normalerweise feilschen und verhandeln Sie mit dem Teufel, wenn es darum geht, Ihren Platz am Tisch zu bezahlen. Die Branche möchte, dass Sie denken, Sie müssten dieses Spiel spielen. Wir versuchen, eine alternative Erzählung der australischen Musik zu schaffen, denn wenn.“ Wenn man das nicht tut, hat man am Ende einen großen Haufen Leute, die bereits erfolgreich sind. Wir wollen die Leute dazu ermutigen, nachzudenken, wenn sie Musik machen, und sie wie eine Kunstform zu behandeln.“

Hier finden Sie eine Auswahl aus dem umfangreichen Katalog von Heavy Machinery.

Wenn wir über die Gothic-Tendenzen eines Labels sprechen, das rund um eine hoch aufragende Orgel und schwebende Glocken entstanden ist, bringt Vs neues Album Faithless den Punkt auf den Punkt mit Darkwave-Synthesizern und pochenden Trommeln, durchdrungen von spiralförmigen Echos, Chorgesängen und Heulen. Die Trommeln fangen den Rhythmus eines Herzschlags ein und lassen die Anspannung nie nach, während die Glockenschichten ein unerbittliches, unterschwelliges Gefühl der Beunruhigung erzeugen. Der Titeltrack fängt alle auf der Platte verteilten Ideen ein und fügt sie in einem Track zusammen, wodurch die Stimmung und Spannung gefestigt und geklärt wird, gepaart mit lyrischen Tönen, die von melancholischer Hoffnung triefen.

Papaphilia behandelt die Tanzfläche wie eine Therapeutenpraxis, einen Ort, an dem man im Bann des Klangs den Alltag ausschwitzen kann. Ihre EP „Remembrance Of Things To Come“ ist ein spärlich beleuchteter offener Raum mit Raum für Selbstbeobachtung, ein Ort, an dem man sich dem Rhythmus hingeben und seinen Körper und seine Seele befreien kann. Schleppender New-Jack-Swing und hallgetränkte Bollywood-Samples werden mit experimentellen Club-Rhythmen mit hüpfenden Kicks, trällernden Gongs und warmen Basslinien verbunden. Es ist gleichzeitig futuristisch und in der Geschichte verwurzelt und vereint unterschiedliche kulturelle Bezüge, um neue und notwendige Verbindungen zu schaffen. Es ist ehrgeizig, neue Welten ins Leben zu rufen und sich gleichzeitig zu weigern, die Kämpfe der Realität zu beschönigen – schließlich ist es notwendig, den Schmerz zu bekräftigen, um wirklich zu heilen.

Nate Lust geht direkt auf die Tanzfläche und hält die Zuhörer auf seiner Debüt-LP Club Medic in Bewegung, bis das frühe Morgenlicht hereinbricht. Der experimentelle Rapper und Performance-Künstler kanalisiert die queere New Yorker Rap-Welle der 2010er-Jahre und vermeidet geradlinige Takte – erwarten Sie keine Hot 16. Sein Gesang ist ausschließlich dazu gedacht, Stimmung und Stimmung zu erzeugen, fällt manchmal aber auch in den Hintergrund und wird immer stärker gehackt wie jede andere Probe. Das ganze Projekt fühlt sich an wie ein Rückblick in eine Retro-Zukunft, die es nie gegeben hat, als wäre es auf abgenutzten Plastikteilen entstanden, die aus staubigen Schränken geholt und auf neue Weise wieder zusammengesetzt wurden. Die abgeschnittenen, verzerrten Snares und brüchigen Analogtasten sind verspielt und energisch, und das ganze Album strotzt nur so vor Stil, Geist und Selbstvertrauen.

Dua Naga von RINUWAT verbindet Metal-Neigungen und Experimente mit klassischen indonesischen Klängen. Es ist voller atmosphärischer, fast atmosphärischer Tracks, mit einer ängstlichen E-Gitarre, die Verzerrungen wie Staubpartikel abwirft und in luftige Gamelan-Nippel-Gongs übergeht, die in geduldigem Tempo dahinzupfeln. Javanischer Gesang in Form knurrender Mantras wird von einem kalten Wind unterstützt, der tief im Hintergrund heult. Es folgt ein geradlinigerer Metal-Abschnitt, der durch zarte Holzpercussions gemildert wird, sowie klösterliche und meditative Tracks mit treibenden Gesängen und vibrierenden Metallophonen. Ganz am Ende beendet ein plötzlicher Ausbruch wirbelnder Akkorde das Finale des Projekts.

Ambient-Musik kann manchmal schwer zu fassen sein, aber die Klanglandschaften von Kalaji (besser bekannt als Nyikina-Schauspieler Mark Coles Smith) sind so greifbar wie die Erde, auf der die Musik basiert. Aufbauend auf Feldaufnahmen, die er in seiner angestammten Heimat – den Nyikina-Gebieten im Nordwesten Australiens – gesammelt hat, ist es einfühlsam und ernst, aber auch kühn und weitreichend. Dieses selbstbetitelte Album ist viel mehr als nur Sounddesign und Stimmungserstellung; das ist erst der Anfang. Leidenschaftlicher Gesang weht in der Brise und gesprochene Prosa packt das Herz, während süße akustische Melodien und tiefe Akkordarrangements wie erleichterte Seufzer aufsteigen. Sanfter Techno dient als Unterlage für die Texte, vorgetragen im Indie-Soul-Gesangsstil und Gegenmelodien auf den Tasten. Kehlengesang und Didgeridoos sind erfüllt vom Ruf zwitschernder Insekten, dem reinigenden Grollen ferner Gewitter und glitzernden Synth-Arpeggios. Es ist schwer, diesem Projekt nicht zuzuhören, ohne ein Gefühl der Ehrfurcht vor der Musik und dem Land zu empfinden, etwas, das in einer Zeit der Katastrophe dringend ist und die Notwendigkeit der Arbeit indigener Landverwalter in den Mittelpunkt rückt.